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miércoles, 31 de octubre de 2012

31- RUNNING WILD "Black Hand Inn"


 
Expiraba la primera mitad de la década del 90, tiempo de cambios profundos dentro del panorama del Metal internacional, y uno de los más fieles estandartes del Heavy germano, abanderados del Speed / True Metal, editaba un álbum totalmente a contramano de lo que ocurría, por ejemplo, en Estados Unidos. Hablamos de los oriundos de Hamburgo, RUNNING WILD. Y decir RUNNING WILD, en realidad es decir Rolf Kasparek. Más conocido en todo el mundo como Rock'N'Rolf.

Rebobinando un poco la historia, podemos decir que RUNNING WILD se formó en 1976, pero bajo otro nombre: Granite Hearts. No fue hasta 1979 en que decidieron cambiar a RUNNING WILD, inspirados en un tema de Judas Priest. La formación inicial incluía a Rolf en guitarra y voz, Hasche en batería, Uwe Bendig en guitarra y Matthias Kaufmann en bajo. Un total de diesisiete músicos pasarían por el line up de RUNNING WILD hasta la actualidad; y eso sin contar a Rolf.

"Black Hand Inn" es el octavo álbum de estudio de RUNNING WILD, editado en Europa en marzo de 1994. El personal de grabación incluyó a Rolf en voces y guitarras, Jorg Michael en batería, Thilo Hermann en guitarra líder y Thomas Smuszynski en bajo. O sea que significó el estreno de Michael y de Hermann en la banda, su primer placa con ella. Como se puede inferir viendo los nombres de los involucrados, era dable esperar un disco potente, contundente y veloz, cosa que ocurrió. "Black Hand Inn" es un registro bien Speed, con temas sumamente pegadizos, rápidos, hiteros y totalmente machacantes. El trabajo de las guitarras es fenomenal, imprimiendo un aplastante poder al álbum, y lo que es más destacable: haciendo especial hincapié en el cuidado de las melodías. Jorg Michael siempre ha sido uno de los más veloces y cronométricos bateristas de la escena europea, así que su labor junto a RUNNING WILD no podía ser menos que descollante. Y la voz de Rolf, bueno, ya sabemos... su registro grave y aguardentoso siempre ha sido único, singular!

La placa cuenta con once composiciones muy parejas, de las cuales se destacan varias: las más gancheras, a nuestro humilde entender, son "Powder and Iron" (track 9) y "The Phantom of Black Hand Hill" (track 7), probablemente los mejores himnos Speed Metal de la historia... Y ahí nomás, pegaditos en calidad, podemos nombrar al tema que da título al disco (track 2), "The Privateer" (track 5), "Fight the Fire of Hate" (track 6) y la introductoria y climática "The Curse" (track 1). Como vemos, más de la mitad del álbum es absolutamente destacable, terriblemente hitero. Un paso más atrás podemos nombrar a "Freewind Rider" (track 8). El resto de las canciones, "Mr. Deadhead" (track 3), "Soulless" (track 4), "Dragonmen" (track 10) y la muy extensa "Génesis" (track 11) no están a la misma altura de las nombradas en primer término, aunque tampoco se las puede tildar de relleno; sino que acompañan con buena calidad un disco plagado de temas superlativos.

La totalidad de las piezas fueron compuestas por Rolf Kasparek, sin dudas un dato importante. Y otro detalle no menor es que el disco es conceptual. Gira en torno a la historia de John Xenir, un individuo resurrecto tras haber sido condenado a morir en la hoguera por ser encontrado culpable de usar poderes prohibidos. En este trabajo, RUNNING WILD prioriza esa marca registrada de sus canciones, el sub-estilo que tanto ayudó a crear, las historias de piratas. Algunas líricas son emocionantes, si es que el oyente se apasiona con este tipo de relatos. Por ejemplo, las de "Powder and Iron" o "The Privateer", describiendo a la perfección batallas en el mar, y la natural enjundia de los piratas para enfrentarse a flotas navales que los superaban en poderío y armamentos.

El arte de tapa es otra genialidad del artista alemán Andreas Marschall, y sin lugar a dudas es la más lograda de todas las portadas de la banda, sencillamente sensacional.  

Dentro de una discografía prolífica (hasta la fecha llevan editados unos quince álbumes de estudio), seguros estamos de que "Black Hand Inn" se revela como lo mejor de RUNNING WILD, junto a su disco insignia, "Under Jolly Roger", siete años más viejo. Y es que esta placa es un sonoro y devastador cañonazo, similar a los descriptos en las letras de sus poderosas canciones.

Comentario: Javier Parente, para OXIDO.-

  

lunes, 15 de octubre de 2012

30- BLACK SABBATH "Born Again"


 
A riesgos de ser considerado un sacrílego -tratándose de BLACK SABBATH eso no es un problema-, quien escribe estas líneas no vacila en afirmar que "Born Again", publicado en Europa en agosto de 1983, se transformó con el paso del tiempo, en el mejor disco de los creadores del Heavy Metal, Tony Iommi & Cia.. Ni el emblemático Ozzy, ni el maravilloso Dío, mucho menos el excelente Tony Martin. No señores: el mejor álbum de la legendaria Bruja Negra fue grabado por Ian Gillan. El único, además, que contó con el cantante de Deep Purple en las vocalizaciones.

"Born Again" fue registrado en los Estudios Manor, de Oxfordshire, y toda clase de historias -algunas probablemente verídicas, otras seguramente no- se tejieron en torno al disco. Comenzando por la tempestuosa relación entre Gillan y sus compañeros, ya que según dicen los conocedores, "Ian nunca estuvo demasiado convencido de unirse a BLACK SABBATH", principalmente por el mensaje negativo que la banda transmitía. Se decía que Gillan compartía lo mínimo indispensable con Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward. Incluso, él no quería ser considerado un miembro estable de BLACK SABBATH, pero la discográfica Vértigo se lo exigió.

Otro punto muy saliente de "Born Again" es que fue el último full-álbum de estudio de la banda con Bill Ward en la batería, quien por esa época venía muy aquejado por sus problemas con el alcohol. Y otro detalle no menor es la portada, la cual fue diseñada a regañadientes por el artista Steve Joule. Joule -quien también estaba imbuído en el consumo de drogas y alcohol- estaba trabajando también con Ozzy Osbourne, y eso lo llevó a presentar un dibujo menor -teóricamente menor!- para que los músicos lo rechazaran, y no tener problemas con Ozzy. De hecho, Ian Gillan pensó eso, que el arte era totalmente horrible. Pero a Tony Iommi y Geezer Butler les encantó, de modo que contrataron inmediatamente a Steve Joule...

La mezcla de la placa fue considerada deficiente por la crítica especializada, y Geezer Butler fue culpado de tal hecho. Los críticos en general menospreciaron el disco cuando salió, pero con el paso del tiempo fue paulatinamente convirtiéndose en objeto de culto. Hasta el mismo Ozzy declaró que es su álbum favorito de BLACK SABBATH después de su partida.

"Born Again" contiene nueve canciones, variadas y contundentes. Parecen destinadas muy especialmente al timbre vocal de Gillan, quien pese a su desconfianza en la idea, se mueve como pez en el agua. Además de él y sus tres compañeros, en la grabación participa Geoff Nichols como tecladista invitado, quien aporta soberbios y oscuros climas al producto final.

Este soberbio trabajo arranca con "Trashed", uno de los temas más rápidos de la historia de BLACK SABBATH, del cual recuerdo perfectamente haber quedado sorprendido durante la primera escucha, debido justamente a su intensidad. Es uno de los dos tracks del álbum del cual se filmaron clips promocionales.
En segundo término aparece "Stonehenge", uno de los dos instrumentales de la placa, de apenas dos minutos de duración; los cuales le alcanzan para transformarse en una de las piezas más climáticas del grupo. Casi todo el trabajo lo realiza el teclado de Geoff Nichols.
"Disturbing the Priest" es a nuestro modesto entender uno de los puntos más altos de "Born Again". Endemoniadas risotadas y desgarradas vocalizaciones por parte de Ian Gillan dan forma a la ominosa atmósfera de este título. Luego del ataque inicial del primer minuto, la canción pasa a ser una típica obra maestra a las cuales BLACK SABBATH nos tiene plenamente acostumbrados.
"The Dark" es el segundo instrumental, una brevísima pero imponente intro que precede al mejor momento del registro: "Zero the Hero", el cual podría decirse que es el hit de presentación. Es la composición más larga, y pese a ello, de la misma se filmó un videoclip, al igual que de "Trashed". Excelente.
Luego sigue "Digital Bitch", otro tema más veloz que la media de las creaciones de BLACK SABBATH. Posee el clásico sonido del Heavy Metal de los 80's. Contundente.
Posteriormente tenemos el track que da nombre al álbum, que es a su vez la canción más lenta, aunque no comparable a las melosas baladas del tipo Scorpions, aquéllas pensadas para que los discos treparan en los charts. Impresionante la voz de Gillan, una constante de todo el álbum.
"Hot Line" es otro de los tracks más gancheros y poderosos. Veloz, en la misma línea de "Trashed" o "Digital Bitch". No le entra tanto al oyente en las primeras escuchas, pero luego se va transformando en imprescindible.
Por último, el cierre está dado por "Keep it Warm". Esta canción y la anterior son las únicas dos en las cuales no participa Bill Ward en la composición; el resto de los títulos son creaciones de los cuatro miembros en conjunto. La letra de "Keep it Warm" fue escrita por Ian Gillan para su esposa Bron. Es intensa, rebosa pasión y poder a cada segundo, otra de las grandes favoritas de quien escribe. El estribillo es una oda magnificada por el talento de uno de los más grandes cantantes de la historia de la música...

Para resumir: "Born Again" es un álbum al cual el paso de los años lo transformaron en leyenda. Algunos podrán decir que fue porque se fusionaron los talentos de BLACK SABBATH y Deep Purple, dos agrupaciones fundamentales para el historial del Hard Rock y el Heavy Metal. Otros creerán que fue por todos los motivos extra musicales que se pergeñaron en derredor... Nosotros diríamos que es debido a la enorme creatividad de sus composiciones, y a un Ian Gillan que no sólo se acopló perfectamente a la estructura de la vieja Bruja Negra, sino que brilló con una luz propia que el paso de los años no ha hecho otra cosa que agigantar...

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

    

viernes, 5 de octubre de 2012

29- MATVEY "Reinando Entre Colinas"


 
Seguramente el nombre MATVEY aún no forma parte de la elite de bandas metálicas argentinas que disfrutan de mayor popularidad. Uno de los motivos es que se trata de un grupo bastante nuevo, formado en 2007. Otro seguramente pasa porque la agrupación es oriunda de Rosario, y en Argentina siempre todo se hace cuesta arriba para quienes no tengan base de operaciones en Capital Federal y alrededores, algo que realmente no debería ser así. Y finalmente, una tercera razón es que sus integrantes no son ex de ninguna banda de las históricas, las mismas que son siempre más mimadas por la prensa especializada. Veamos si podemos aportar un minúsculo granito de arena para que más fanáticos del Heavy Metal se pongan en conocimiento de que estos rosarinos poseen un potencial enorme, para trepar en un mañana cercano a los podios junto a los mejores de la escena.

El derrotero de MATVEY por los escenarios dió comienzo hace unos cuatro años. Este quinteto practica un Heavy Metal con notorias influencias épicas, y está integrado por Pablo Podestá (cantante), Diego De Santiago (guitarra), Marcos Sartori (bajo), Mariano Gauna (batería) y Leonardo Ibáñez (teclados). El álbum que nos ocupa se llama "Reinando Entre Colinas", y podría inferirse que es el segundo en la historia del combo, aunque el primero ("Reinará en la Batalla") nunca vió la luz más que en los shows del grupo, a modo de carta de presentación.

"Reinando Entre Colinas" fue grabado en 2011, en el GnosisStudio de la ciudad de Rosario, y se trata de una producción independiente que contiene diez poderosos y gancheros tracks de Heavy Metal Clásico y Epico, sin dejar de lado algún parentesco -lejano- con el Power Metal. Las letras toman su escencia de historias mitológicas y medievales. La característica más saliente e importante de este disco es que es sumamente parejo, todas las composiciones son de gran nivel, y el CD no cuenta con tema de relleno alguno. Y eso, hoy en día, es muchísimo decir!

El fuego se abre con "El Bosque de los Misterios", uno de los dos mejores temas de la placa. Canción que podría tranquilamente transformarse en hit radial de cualquier programa metalero del país. Poseedor de una grandiosa melodía, el trabajo vocal de Pablo Podestá se luce muy especialmente, mayormente en los puentes. Inmejorable elección para darle una clara muestra al oyente de que el CD que tiene entre sus manos es cosa seria.
En segundo lugar aparece "Legado de un Reino". No muy alejado del primero en cuanto a temática y gancho, nos hizo recordar por momentos a dos grandes nombres del Metal cantado en nuestro idioma: algo así como una cruza entre Tierra Santa y Rata Blanca.
El tercer track lleva por título "El Retorno del Rey". A la gran performance -una constante a lo largo de toda la grabación- de Pablo Podestá, se suma un machaque más Heavy de la viola de Diego De Santiago, y un gran clima aportado por los teclados de Leonardo Ibáñez.
Luego sigue "Regresa", que cuenta con la característica de ser bastante más lento y calmado que los tres primeros, la balada que la mayoría de las bandas incluyen en sus grabaciones. El estribillo se torna más efusivo, emocional e intenso. Un punto alto del registro.
Después tenemos a "Antiguo Sendero". Un poco más trabado, otra vez el estribillo nos trae a un vocalista que se luce en todo su esplendor. Igualmente, esta canción es un tanto menos "hitera" que las predecesoras, no por eso perdiendo calidad.
Transcurrida en un suspiro la mitad de la placa (buen síntoma!), abrimos la segunda parte con "Matvey". Esta composición homónima al grupo no es otra cosa que un currículum sonoro de los propios artistas, quienes cantando acerca de sí mismos, brindan al escucha un momento muy poderoso.
"Reinando Entre Colinas" es el tema que da nombre al álbum, y una de las canciones más rápidas, con un ritmo sostenido y otro estribillo para recordar. No hay dudas de que estos artistas poseen una inusual capacidad para componer piezas altamente atractivas incluso para quienes los oyen por primera vez. Temas como éste te dejan ganas de volver a escucharlo inmediatamente.
"El Origen de la Batalla" es a nuestro modesto entender el punto más alto de este excelente disco. Optima labor de toda la banda, especialmente -una vez más- de la guitarra y el teclado, pero donde es Pablo Podestá quien vuelve a conseguir un trabajo vocal que solamente puede calificarse como impecable. Para escuchar muchas veces seguidas, sin pausa.
"Conquistando Reinos" comienza bajando los decibeles, tal como corresponde después de semejante hit como fue el tema previo. Lentamente empieza a hacerse poderosa, aunque nunca sube más allá del medio tiempo. Los teclados cumplen un rol fundamental en la atmósfera de la canción.
La despedida llega de la mano de "Furia Salvaje". Un digno cierre para un álbum notable, tema en el cual quizás más se noten las influencias de las grandes bandas del Heavy Metal ochentero; afilado y poderoso pero sin perder jamás de vista las melodías, punto muy cuidado por los músicos a lo largo de todo este "Reinando Entre Colinas".

Para resumir: creemos, desde nuestra humilde óptica, que este disco debería encantar a todo aquél fan de las grandes agrupaciones del Metal más tradicional, especialmente de los amantes del sonido europeo de los dorados 80's. Imprescindible, no exageramos si decimos que es uno de los mejores álbumes nacionales que hemos escuchado en muchos (muchos, sí) años. No será la mar de la originalidad, pero tiene algo en lo cual siempre hacemos hincapié a la hora de analizar y comentar una placa: excelentes canciones!

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

     

martes, 31 de julio de 2012

28- THE UNBORN "Volviendo a Casa"


 
THE UNBORN es seguramente, una de las bandas pioneras dentro del sonido extremo/oscuro argentino. Formados hace diesiséis años, estos músicos capitalinos han logrado llegar a la poco usual (dentro de la escena nacional, claro está) friolera de cinco álbumes editados, más dos DVDs en vivo. Precisamente es "Volviendo a Casa" -el último registro de estudio, fechado en el corriente año- el que nos ocupa, y al cual trataremos de describir brevemente en estas líneas.

Como principal dato saliente del álbum, en él los músicos decidieron cambiar radicalmente su estilo, y pasar del furioso y frío Gothic/Black/Death que abrevaba en vertientes europeas, a este nuevo sonido NeoFolk. Pero ojo: hablamos de NeoFolk autóctono, argentino. Porque precisamente de eso se trata "Volviendo a Casa": es un gratísimo compendio de canciones muy tranquilas, casi sin pasajes de violencia; donde los climas, las voces y las percusiones toman inusitada importancia. Algo bien diferente a lo que veníamos escuchando de ellos. Y muy saludablemente distinto. No porque los discos anteriores no nos gustaran: es que éste es especial. Los espíritus ancestrales que sobrevuelan esta obra son nativos de estas tierras, no son símbolos de otras culturas.

La placa da comienzo -precisamente- con "Ancestros", una intro muy bien elegida como para anticipar claramente lo que vendrá. Altamente atmosférica, cuenta con un muy buen coro que cimenta una inequívoca sensación creciente de oscura tristeza.
El primer tema tras la intro es "Julieth", canción muy llevadera donde Dysis -voz femenina- se luce especialmente.
El tercer track del CD es "De Poetas y Locos", y en ésta, es Astaroth -voz masculina, guitarras, alma máter, ideólogo y único miembro fundador- quien aprovecha para lucirse. Asimismo, las percusiones de Zagham cobran un alto protagonismo.
"Bajo el Nogal" es la canción que sigue, y una de las mejores del disco. Nuevamente Astaroth nos entrega un gran trabajo de vocalización, probablemente el más logrado del álbum.
"Momento Final": es el segundo corte, por así llamarlo. Y el segundo videoclip que la banda grabó para este trabajo. La voz de Dysis es la que se eleva, conformando una canción melancólica (quizás más que el resto) y totalmente destacable.
"Marionette" es la que continúa, con la particularidad de ser cantada -casi en su totalidad- en francés. Astaroth es quien se encarga de esta labor, de la cual sale mucho más que airoso.
"Aves de la Oscuridad" es la posterior, también tratándose de un track muy logrado, extremadamente climático, con un recitado en su parte central que le aporta más clímax al producto final.
"Volviendo a Casa" es la carta de presentación de este registro homónimo, lo más parecido a un hit, si es que se nos permite usar tal palabrita. Una gran composición, en la cual se luce impecablemente el dueto Dysis / Astaroth. Excelente, seguramente lo mejor del disco (y de la banda a lo largo de su historia).
"Mi Melancolía": Esta es una muy bonita pieza donde la voz de Dysis toma diferentes matices, lo cual le va brindando una calidez muy notable al tema. La letra, sencilla y triste a la vez, transporta al oyente hacia pueblos perdidos en la inmensidad de nuestra tierra. De las que màs nos gustaron! 
"Angel Negro" representa el final de esta subyugante placa. Y por supuesto, no desentona para nada con la temática general del disco. Conduce Astaroth, a quien se une posteriormente Dysis en una comunión vocal que nos lleva lentamente y en paz, a la finalización de la escucha. 

 Es importantísimo destacar la exquisitez de las melodías provistas por el teclado de Elodia, que ayuda enormemente en la creación de los sencillos y efectivos microclimas de cada título, como así también el matiz folklórico que agregan las guitarras acústicas de Rovehr y las percusiones de Zagham

 Fantástica y encantadora experiencia la de escuchar este álbum. Vale la aclaración que requiere de más de una pasada para que la conmovedora brillantez de sus creaciones nos llegue al corazón; pero a no dudar que así ocurrirá. Párrafo final para el arte de tapa del mismo, bien acorde a todo lo expuesto y desmenuzado más arriba: ese solitario banco en medio de un paisaje arbolado, todo en riguroso blanco y negro con un ligero toque sepia, no podía graficar mejor lo que espera al oyente de "Volviendo a Casa"

Sólo nos resta extender nuestras felicitaciones a estos artistas argentinos por este arriesgado -y hermoso- giro en su temática sonora. 

 Comentó: Javier Parente, para OXIDO.- 

    

jueves, 19 de julio de 2012

27- RAZA TRUNCKA "Ni Con Delicadeza Ni Con Cuidado"



De manos del cantante y guitarrista José Luis Terzaghi nos ha llegado este EP de ocho canciones de su original banda RAZA TRUNCKA, oriunda de Salto, ciudad de la provincia de Buenos Aires. José Luis tiene un pasado en la que probablemente haya sido la banda metalera más conocida de Salto, Osamenta. Pero hete aquí que entre RAZA TRUNCKA y Osamenta, el único punto en común sea precisamente José Luis, dado que musicalmente hablando, nada tienen que ver una con otra. Osamenta es una poderosa maquinaria Death/Thrash, mientras que RAZA TRUNCKA practica una apetecible fusión que podríamos denominar "Folk Metal"... Pero atención! Cuando decimos Folk Metal, automáticamente se nos vienen a la mente artistas como Korpiklaani o Cruachan; pero no, de ninguna manera: esto es nuestro Folk Metal autóctono! Para ponerlo en claro, imaginen una fusión entre chacareras y bagualas con Heavy Metal tradicional, con guitarras Power. Pueden? Si no se lo imaginan, éste es el disco que tienen que escuchar. O el álbum previo de estos músicos: "Misteriosa Comunión".

"Ni Con Delicadeza Ni Con Cuidado" fue grabado durante 2011 en la ciudad bonaerense de Arrecifes, concretamente en los estudios El Garage. Fue producido y mezclado por José Luis Terzaghi y Gustavo Charras, corriendo por cuenta de éste último también la masterización. Siete de los ocho temas que componen la placa fueron compuestos por el grupo, contando con la colaboración de Ricardo Monje en la letra de "Flores Chatas" y de Diana González en el texto del recitado "S.O.J.A.", penúltimo track del EP. La edición corre a cargo de la Unión de Músicos Independientes.

Como mencionamos, RAZA TRUNCKA intenta, por medio de esta fusión de estilos, reivindicar sonidos tradicionales nativos, adaptándolos al gusto del seguidor del Metal Argento, que ha sido proclive en bandas como Hermética o Almafuerte, a versionar obras folklóricas. El grupo sale bien parado de esta aventura, con intenciones que se plasman en composiciones sólidas y bien interpretadas por los músicos en cuestión, a saber: el referido José Luis Terzaghi en voces y guitarra rítmica, Diego Palavecino en guitarra acústica, Fernando De Lucía en guitarra eléctrica, Fausto Nascimbene en bajo y voces, Paolo Riggi en batería y bombos legueros, y Ezequiel Evangelista en percusiones.

Las líricas apuntan a la reivindicación de los pueblos originarios, a la igualdad de los derechos del hombre nativo frente al avance de corporaciones capitalistas y lobbys sojeros. En tal sentido, "Si de Chacareras me Hablan" es el hit del disco, un tema que oficia de carta de presentación, y donde se luce especialmente el trabajo de Fernando De Lucía. "Flores Chatas" es una cueca y "El Ventajao" un gato instrumental, donde queda de manifiesto la intensidad de la banda. "Muerte al Capital" es una simple y efectiva declaración de principios, además de una de las mejores composiciones que hemos escuchado últimamente. "Primavera Qom" es una chacarera que aboga por la devolución de sus tierras a las poblaciones aborígenes. Luego sigue una correcta versión de "Fueguito de la Mañana", original del reconocido folklorista Peteco Carabajal. Y finalmente, el cierre de la placa llega de la mano del recitado "S.O.J.A." (que obviamente hace referencia a los grandes lobbys de productores sojeros y al daño que le producen a la tierra y a los habitantes pobres de zonas rurales que se ven afectados por las fumigaciones con productos químicos), el cual se engancha -por temática- al que seguramente es el tema más logrado y sentido del EP: "Niño Fumigado", cuya letra (original de Eugenio Inchausti y Marcelo Ferreyra) sumada a la interpretación y garra que le ponen los músicos, se torna emocionante. En esta última canción, destacamos también el trabajo realizado por Paolo Riggi con los bombos, que le imprimen locomotividad a un tema de por sí visceral.

Bien por estos jóvenes artistas bonaerenses que pelean contra los prejuicios y no temen quedar a mitad de camino entre dos polos bien distintos dentro de la música argentina. Riesgo del que salen fructíferamente airosos y bien parados. Una obra muy disfrutable, felicitaciones!

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

miércoles, 11 de enero de 2012

26- ACCEPT "Balls to the Wall"



Corría el año 1983, y Argentina, después de la guerra de Malvinas, había descubierto que el Heavy Metal existía.

Unos pocos programas radiales especializados habían surgido en algunas AM de la época, verdaderos precursores en la difusión de bandas y temas absolutamente ignotos por estas tierras. El pequeño furor -si se lo puede denominar así- fue tal, que incluso programas dedicados al Pop y al Rock más light y lavado, terminaron ofreciendo a sus escuchas algún pequeño bloquecito de dos o tres temas con verdadero sonido metálico. Uno de esos programas se llamaba "9 PM: El Control de la Noche", y lo conducían los jóvenes y prometedores Lalo Mir y Elizabeth Vernacci. Fue allí donde quien les escribe escuchó por primera vez a ACCEPT.

Fueron sucesivamente dos temas, en dos noches diferentes, denominados "Contra el Paredón" y "Los Muchachos de Cuero de Londres"... Si, claro, en aquélla primera mitad de los dorados 80's, los locutores radiales nos traducían los nombres de los temas, y las editoras de discos, también lo hacían en los correspondientes sobres o láminas de cassettes. Cabe destacar que los más importantes sellos del momento, como EMI o CBS, estaban aprovechando estos días de gloria (y moda, considerarían ellos) lanzando al mercado ediciones nacionales de unos cuantos álbumes.

Aquellos coros demoledores... aquélla voz chirriante y desgarrada de un tal Udo Dirkschneider me produjeron -instantáneamente- sensaciones que ninguna de las otras bandas que sonaban en esos momentos -Judas Priest, Quiet Riot, Ozzy Osbourne, Fastway, Motley Crue- habían logrado transmitirme. No, esto iba mucho más allá, esto era poder puro, un increíble tanque alemán aplastando oídos y neuronas...

Había que salir a buscar el cassette o el vinilo de esta gente, a como diera lugar... Varias semanas tardé en encontrarlo, en las disquerías de Buenos Aires era casi imposible hallarlo, hasta que el milagro se produjo en una extinta casa de discos ubicada dentro de la Estación Once, frente a Plaza Miserere... "Pá, má... por favor, cómprenme este cassette!!!!!!!"... Claro, quien les escribe era un niño / adolescente aún, que todavía estaba lejos de ganarse su propio sustento.
Y pese a que a papá no le gustó ni medio la portada donde se veía una entrepierna masculina y una mano apretando una pelota, me debe haber visto tan desesperado que accedió a mi pedido... Finalmente, el único ejemplar de "Balls to the Wall" que existía en Buenos Aires (?), editado en Argentina por CBS Columbia, me pertenecía...!!!

Llegar a casa y poner el cassette en el reproductor fue uno de los momentos musicales más emocionantes que aquellos años me depararon... Tan sólo quería escuchar los dos primeros temas, "Balls to the Wall" ("Contra el Paredón") y "London Leatherboys" ("Los Muchachos de Cuero de Londres")... Allí estaban, por fin eran míos, ya no dependía de que ningún programa radial tuviese la voluntad de ponerlos al aire, ya podía escucharlos cuantas veces quisiera.
Y deben haber sido más de cien consecutivas... Primero "Balls to the Wall", luego "London Leatherboys", una y otra vez...

Superada la emoción inicial, varias escuchas después, empecé a interesarme en el resto de las canciones, y en saber quiénes eran estos tipos que dejaban a las otras bandas Heavys de la época a la altura de cualquier blandengue grupito Pop... Quienes tocaban esas dos guitarras demoledoras, abusivas, totalitarias? Y quienes hacían esos endemoniados coros capaces de resquebrajar cualquier mandíbula?? Así me fuí enterando de que el vocalista era este tal Udo Dirkschneider, cuya voz cascada y visceral no era parecida a la de ningún otro cantante, superando con esos agudos al mismísimo Brian Johnson, el fulano que acababa de reemplazar a Bon Scott en AC/DC... Los guitarristas se llamaban Wolf Hoffman y Herman Frank; el bajista era un sujeto llamado Peter Baltes, y el baterista respondía al nombre de Stefan Kaufmann... Los coros los hacían ellos mismos: Hoffman, Frank y Baltes... Cómo podían estos germanos hacer alarde de tanto poder sónico...???

Qué enorme disco resultó ser "Balls to the Wall", por favor. El mote de "obra maestra" le queda pequeño. Uno de los álbumes de mi vida, al cual hoy, en pleno 2012, casi treinta años después, sigo escuchando y disfrutando tanto como aquélla lejana noche de 1984, como esa primera vez.

No hay canciones de relleno en "Balls to the Wall", ni una sola, ni remotamente. Las diez composiciones son totalmente adrenalínicas, gancheramente poderosas. Esos estribillos, esos puentes... Ese sentimiento puesto de manifiesto por Udo, en el que ha sido seguramente el pináculum de su carrera... La suma de estos elementos conforman un todo casi insuperable.

"Balls to the Wall" es el quinto álbum de estudio de ACCEPT.
Apareció originalmente a principios de diciembre de 1983, explotando su popularidad durante el año siguiente. Sus canciones son singularmente buenas, sumamente parejas, conformando un trabajo sin fisuras. En tren de elegir, me quedo con las dos previamente mencionadas, lógicamente; seguidas por "Guardian of the Night", "Head Over Heels", "Losing More Than You've Ever Had", "Turn me on" y "Losers and Winners" -o sea, casi todas-, donde las vocalizaciones de Dirkschneider y los implacables coros se lucen constantemente (nadie podía hacerlos igual!); dejando una mención muy especial para la canción diferente de la placa, la que cierra la misma: "Winter Dreams". Esta es una de las mejores baladas metálicas de todos los tiempos, aunque no haya tenido la promoción de las famosas "Still Loving You" o "Winds of Change" de sus compatriotas Scorpions. 100% sentimiento, en extremo climática y conmovedora.

La primera mitad de la década del 80' representó el momento más dorado para el Heavy Metal, de hecho muchos de los mejores álbumes fueron grabados en aquéllos inolvidables años. Dentro de esos discos que continuarían brillando generación tras generación, manteniéndose inoxidables, está "Balls to the Wall".

Si te gusta el Heavy Metal y no escuchaste esta placa, te estás perdiendo de una porción fundamental de la historia de este movimiento.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

martes, 3 de enero de 2012

25- MOTLEY CRUE "Dr. Feelgood"



El Glam Metal (o Hair Metal), un estilo influenciado en imagen por el Glam Rock original de los '70 ( Kiss, Alice Cooper) surge a fines de esa decada, principalmente en Los Ángeles (California).
Hablando en líneas generales, el Glam Metal se caracteriza por su lírica enfocada al sexo, alcohol, drogas y placer. Musicalmente, en sus canciones destacaban los riffs de guitarra, solos, y melodías pegadizas.
Este estilo logró popularidad en los 80’, especialmente desde la mitad de la década.
Podriamos mencionar bandas como WASP, Ratt, Stryper y Motley Crue, entre otras tantas.
La movida perdió popularidad a comienzos de los noventa, aunque algunas agrupaciones siguen en actividad en el presente, y otras más actuales intentan revivir el estilo, pero incorporando elementos -tanto musicales como visuales-, de otras variantes musicales.

Ya casi terminada la década Glam, más precisamente en el año 1989, una de las bandas mas representativas y populares de la escena, Motley Crue, integrada por Vince Neil (voz), Nikki Sixx (bajo), Tommy Lee (bateria) y Mick Mars (guitarra), lanza su quinta placa: "Dr Feelgood", después de lograr su sobriedad (todos los miembros de la banda entraron en rehabilitación, excepto Mick, quien se rehabilitó por sí mismo).

El cuarteto nacido en 1981 venia en permanente ascenso. Por el año 1987, la placa "Girls, Girls, Girls" los había llevado por varios paises del mundo con un exitoso tour. Pero con "Dr Feelgood" lograron su pico de popularidad. Ese año el disco se convirtió en su único álbum No. 1, y se mantuvo en el Top 100 de Billboard por 109 semanas después de su lanzamiento.
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Sixx y Mars compusieron casi todos los temas, y Bob Rock (que habia trabajado ya con Bon Jovi entre otros, y que hoy cuenta con un curriculum que incluye a Metallica, Skid Row, The Cult y muchos mas) produjo esta placa, que superó las seis millones de copias vendidas, sólo en Estados Unidos.
El disco se inicia con "T.N.T. (Terror 'N Tinseltown)", una especie de intro.

Las letras de las canciones tratan principalmente de drogas, sexo y relaciones amorosas.
En cuanto a lo primero hay dos temas que hoy en día están entre los mas grandes clásicos de la banda. "Dr Feelgood" ("Dr. Sentirse Bien", la cual mas allá de la traducción, se refiere a la cocaina y a la heroina), que cuenta la historia de un traficante y su decadencia, y tiene su tinte de apologia. Frases como ‘’dejame introducir en ti algo realmente bueno’’ o la mención a la ‘’Candycaine’’ -que es un juego de palabras entre "candy" ("caramelo") y "cocaine" ("cocaina")-, lo demuestran. El mencionado, al igual que temas como "Girls, Girls, Girls" ("Chicas, Chicas, Chicas" del homónimo de 1986) -entre otros-, hacen alusión a distintos lugares de California (bares, clubes de strippers y zonas de la ciudad) donde frecuentaban los Crue, y demas personajes de la época.
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"Kickstart My Heart" ("Patea mi Corazón"), escrito por Sixx: el 23 de diciembre de 1987, Nikki sufrió una sobredosis de heroína casi fatal. En el camino al hospital fue declarado muerto, pero un médico decidió darle dos inyecciones de adrenalina al corazón, con lo cual resucitó. Esa experiencia le sirvió de inspiración para la canción referida.
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Referente al sexo, elemento característico de muchas letras (no solo de Motley Crue, sino de todo el Glam), varios tracks se refieren a ello: "Sticky Sweet" ("Dulce Pegajosa") cuenta las virtudes de una mujer que es objeto de deseo. También las féminas son centro de distintas situaciones en algunos temas de la placa, por ejemplo en "Slice of Your Pie" ("Rebanada de tu Pastel"). Las chicas muestran sus dotes sexuales en "Rattlesnake Shake’’ (algo asi como "La Serpiente de Cascabel que se Agita"), que compara el movimiento de la serpiente con el de una mujer. ‘’She Goes Down" ("Ella va Abajo") describe íntimos momentos con damas en los que ellas deben bajar, imaginense adonde. "Same Ol' Situation" ("Misma Vieja Situación") trata sobre lo superficial de algunas relaciones, algo asi como solamente sexo sin nada de amor.
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Tambien hay lugar para los corazones rotos en "Without You" ("Sin ti"), una balada que es una declaración de amor de alguien que perdió a su amada. Y si de baladas hablamos, una de las mas destacadas del cuarteto, ’’Don't go Away Mad’’ (Just go Away)" ("No te Vayas Enojada, Sólo Vete"), describe una relacion amorosa y la decision de terminarla, dando las razones de la ruptura, parece la canción ideal para cantarle a una novia antes de romper con ella.
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El disco cierra con ‘’Time for Change" ("Momento Para el Cambio"), que refleja la visión de Nikki acerca de los acontecimientos de ese entonces.

El registro mas exitoso -en todo sentido-, de la historia de Motley Crue. Posteriormente la banda paso por cambios de miembros, separación y demás conflictos. Pero hoy en dia se encuentran activos, contando otra vez con la formación original, la misma que grabó este "Dr Feelgood", e incluyen en el setlist en sus presentaciones varios temas de este trabajo.
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Comentó: Iván Marchesani, para OXIDO.-